Dal 19 settembre al 17 novembre, presso il laboratorio creativo della sala espositiva “Arsenāls” del Museo Nazionale d’Arte Lettone, sarà allestita la mostra personale di ANDRA FREIBERGA, scenografa molto conosciuta e apprezzata in Lettonia e nel mondo.

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Tre anni fa l’Opera Nazionale Lettone ha messo in scena l’opera “Iemūrētie” della poetessa Ines Zander e del compositore Ārik Ešenvald. Annunciava la costruzione del Palazzo della Luce: quanto viene costruito durante il giorno, altrettanto crolla durante la notte.

Secondo il mito, affinché la struttura possa reggere, è necessario un sacrificio alla struttura, un sacrificio di sangue, perché l’anima risiede nel sangue. Lo scenografo Andris Freibergs ha incorporato nello spazio dell’opera sia l’apertura al destino che la chiusura, nel finale dello spettacolo ha realizzato il suo “piccolo compito” – “Stairway to Heaven” – che aveva dato agli studenti del primo anno dell’Accademia lettone di Arte da molti anni.

– Perché hai scelto questa scenografia come base della mostra?

A. Freiberg: – Accade sempre che le produzioni di opere originali purtroppo abbiano vita breve, per cui non possiamo rappresentarle a lungo. Gli “Embedded” non sono stati ancora ufficialmente rimossi dal repertorio, ma non sono nemmeno inseriti nel repertorio attivo. È stato difficile per me separarmi da questa mostra, un tale senso di sventura, quindi ho deciso che potevo diventare un regista (ride), perché nelle sale espositive siamo lasciati soli con noi stessi, siamo i nostri registi, i nostri scenografi. Ho pensato che mi sarebbe piaciuto continuare questa sensazione, la trovo più interessante in questa fase della mia vita.

Inizialmente l’idea era di allestire la mostra al Museo teatrale Smiļga, ma all’improvviso è arrivata un’offerta: la mostra del centenario dell’Accademia lettone delle arti si terrà nell’Arsenale e durante quel periodo i laboratori creativi potrebbero essere assegnati a Me.

Inoltre tutto nell’Unione dei dipendenti teatrali è orientato al teatro, ma il primo pensiero di “Arsenal” è l’arte, le arti visive. Per un momento ho pensato seriamente se la sua ambizione fosse troppo grande, ero confuso, se le mie foto corrispondessero a questo livello dal punto di vista dell’arte visiva, perché professionalmente, ovviamente, è una questione di teatro. Tuttavia, la curatrice Līna Birzak-Priekule ha accettato questa idea con grande entusiasmo, ha apportato ulteriori correzioni e ha detto: sì.

– E perché nella mostra ci sono esattamente 136 gradini? L’anno scorso, quando nelle interviste hai accennato alla possibilità di tenere una mostra personale per l’anniversario, hai menzionato 80 passi…

– Nell’opera “Imūrētie” ci sono scale enormi. Di solito vengono portati in un appartamento o in qualche istituto, ma nello spettacolo il paradosso è che non vengono portati da nessuna parte: vengono portati su per la montagna per poi ridiscendere. Ho chiamato quella formazione di scale una montagna. E coincide con il fatto che nella sala espositiva “Arsenale” mi chiedo sempre se valga la pena andarci, se varrà la pena dell’esposizione (ride). Le scale della mia mostra, le scale della sala espositiva: sono 80 gradini del mio anno di vita più 56 salite sull’erba, così è stato formato il numero.

Voglio dire, le scale – la montagna sono la mia nuova realtà deformata dove posso esprimere la mia esperienza personale.

Le scale mi hanno perseguitato anche come insegnante. Come i registi elaborano studi per gli studenti, anch’io do agli studenti vari studi sugli aspetti scenografici: la scala per il paradiso, la sedia di Amleto. Perché capiscano che nel teatro tutto è possibile, che il teatro non è la vita, che è una realtà deformata. Non mi interessa vedere una sedia come una sedia sulla scena, ho bisogno della sedia di Amleto, della sedia di Freiberg, di una sedia come metafora.

Le scale sono solitamente di fronte a qualsiasi teatro o istituzione governativa rispettabile, ci sono scale di servizio e scale di costruzione metallica, scale comode e scale scomode – come il giorno e la notte, bianche e nere, quindi ci sono scale diverse. Questa è la mia filosofia di montagna.

Le scale sono musica. Lo ha detto il poeta francese Henri Breton, non io. E puoi anche chiedere: a quale piano vive Dievins?

– Hai realizzato scenografie per più di 200 spettacoli…

– Sì, ma ce ne sono alcune decine che mi sono piaciute molto, ma vale la pena ricordarne dieci. “Arkadija” al Teatro Nuova Riga – molto dolce. Insieme ad Alvi Hermani ci sono state probabilmente tre rappresentazioni: “Arkadija”, “Vilkumuižas Jaukundzes” in Italia e qui e “Onegin” a Berlino e qui.

Ma i miei anni più attivi sono stati, ovviamente, insieme ad Adolf Shapiro allo Youth Theatre – “Centrifuge”, “La paura e la miseria del Terzo Impero”… Ho molti ricordi lì. Sono felice che ora il Museo del Teatro avrà una retrospettiva delle produzioni lettoni di Shapiro.

Incontrare grandi personalità: posso chiamare e chiamare, è stata la mia felicità e ricchezza.

– Cosa è cambiato nel tuo lavoro nel corso degli anni?

– Adesso conosco il mestiere. Quando si inizia a lavorare non si deve più pensare a come mettere la matita, c’è un certo ordine delle cose, ed è una sorta di libertà quando non ci si deve preoccupare delle questioni d’ufficio, ma solo del lavoro del dipendente. Testa.

Ci sono abituato, ed è una sensazione speciale, non come quella di un pittore seduto al cavalletto: stamattina non ho ispirazione, adesso non lavorerò. Ieri c’è stato il concerto di apertura della stagione dell’Opera (la conversazione avrà luogo il 6 settembre – LK-Š.) – deve essere, perché deve essere. Il ritmo del teatro di repertorio è brutale, ma anche mobilitante.

Il riconoscimento mi sembra molto importante: quando vengo nella sala espositiva e vedo, ad esempio, i dipinti di Boriss Bērzins, mi è già chiaro che si tratta di Boriss Bērzins. Forse un bel plagio, ma il brevetto appartiene a Boris Bērzińs. Allo stesso modo, Juris Dimiters: non può essere confuso con nessuno. Il mio compagno di classe è Bruno Vasilevskis: molte persone dipingevano con un’estetica minimalista, ma lui era comunque riconoscibile.

La chiave è essere onesti. Inizi a lavorare come qualcun altro, non importa, Maija Tabaka o Boriss Bērzins, potrebbe essere efficace, ma è qualcos’altro. Attraverso tempi e scuole diverse devi arrivare alla tua verità.

– Ma questa è la cosa più difficile: trovare la tua verità, la tua essenza!

– Difficile sì, ma da che momento iniziare a misurare il talento? In un momento in cui sei vicino al tuo vero sé.

E poi dell’idea. Oggi se ne discute molto e penso che la pittura pura appartenga immeritatamente al passato. Ora però la realtà sono formule mentali: sembra spregevole, ma no, non credo, ogni volta ha le sue.

Vorrei solo che ci fosse una gamma più ampia. Diciamo solo che c’è molta matematica nella musica di Bach. Ma non lo sento. Se conosci molto bene gli spartiti, forse puoi calcolarne la matematica, proprio come nei dipinti di Purvīš. Ma non mi piace se non mi permetto di sperimentare l’arte, perché prima voglio scoprire cosa offre l’artista nella sua idea.

Credo che ci siano due tipi di scenografi – uno che dà l’atmosfera, l’orientamento, e l’altro – che mette gli oggetti in scena, e poi nella performance la narrazione si forma anche dal fatto che gli oggetti sono coinvolti nella azione. Se dovessi scrivere una lista di attori ci sarebbero Amleto, Gertrude, Ofelia, e da qualche parte nella lista anche lo spazio, i muri… Non voglio ripetere cose già dette, ma ho capito quello spazio è un partner ed è fantastico se riesci a raggiungerlo. Nel teatro è molto importante che spazio, tempo e uomo siano tutti e tre insieme: c’è la forza della scenografia, non solo nel colore o nella forma, ma attraverso l’unione con l’attore.

– Quando prepari la scenografia, pensi agli attori specifici che reciteranno nello spettacolo?

– Molto spesso non è ancora noto. Ma ho fatto come mi ha insegnato la stimata artista Marga Spertāle: ha messo degli stracci colorati come personaggi nel modello.

È stato suggerito che il modello non sarà necessario a breve, ma penso che sarà necessario per sempre. Certo, tutto si può fare con un computer, ma è tutto graficamente sintetico. Se gli studenti mi portano un’idea dal computer, allora, in primo luogo, è già stata clonata, trovata da qualche parte, ma, in secondo luogo, dico loro di ridisegnarla almeno con la loro mano sensuale.

Per me la bellezza è valore. Anche se, certo, la scenografia può essere anche troppo bella, troppo raccolta. Di solito dico agli studenti di iniziare dal mucchio di detriti, di fare il contrario, non da quella stanza pulita. Capire che misurare con la mente lunghezza, larghezza e altezza non è il modo più creativo.

– Sei riuscito a insegnare bene, non per niente gli scenografi dell’Accademia Lettone delle Arti tornano sempre con i premi della Quadriennale di Praga…

– Sì, a volte dall’esterno sembra così: i lettoni arrivano e vincono. Ma immagina, sono 50 paesi del mondo, dalla Cina al Brasile, ettari di paesaggi, e se ti avvistano tra tutti loro… mi viene la pelle d’oca solo a pensarci adesso. Conosco un’insegnante a Bratislava che dice: “Scrivo sempre su un quaderno per non dimenticare di vedere la mostra della Lettonia!” La scenografia lettone è convertibile.

Ci sono stati momenti in cui nella mostra abbiamo preso gli alberi come collegamento tra Blaumani, Beckett, Shakespeare e Cechov, interpretiamo questi quattro autori con solo cinque alberi. Crescono gli alberi nel “giardino dei ciliegi”, si tagliano gli alberi nell’”Indrāni”, se ne mette un altro in una grondaia…

Per tre volte di seguito la nostra esposizione ha ricevuto una medaglia d’oro, Reinis Suhanovs ha vinto un premio come il giovane talento scenografico più promettente del mondo e quest’anno ho ricevuto un premio come mentore.

– Quali performance dei tuoi studenti segui?

– Ne ho tanti, più di cento. I primi che mi vengono in mente sono Inese Pormale, Reinis Dzudzilo, Sintija Jēkabsone, Pamela Butāne, Ieva Kauliņa, Reinis Suhanovs, Rūdolfs Baltiņš. Monika Pormale mi è molto cara, è sopraffatta dalla sua professione, brucia, non riesce a dormire la notte, mette da parte anche qualcosa di molto importante a livello personale. La sua sensualità, sincerità: la apprezzo molto. E infine ha ricevuto anche una nomination per il premio “Gambler’s Night” – solo ora…

Ho sempre pensato che fosse importante che gli studenti non fossero troppo obbedienti. Non sono mai stato particolarmente attratto dalle persone eccellenti, essere eccellenti nell’arte è sempre pericoloso, i brutti anatroccoli spesso sono più fighi. Lasciamo che si oppongano all’insegnante, allora il risultato sarà molto migliore…

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